La voce umana è lo strumento più antico del mondo e in termini di tono e distinzione è davvero impareggiabile. Non sorprende quindi che nella breve ma dolce storia della musica popolare, gli ingegneri abbiano creato dispositivi per l'alterazione della voce nel bene e talvolta nel male. Talkbox, vocoder e sintonizzazione automatica; ognuno di questi strani dispositivi ha avuto una storia a scacchi, affrontando lunghe strade per trovare accettazione nel pop.
Gli esseri umani cantano da millenni, quindi non sorprende che lo sviluppo della tecnologia musicale abbia dato vita a numerosi modi per alterare la voce.
Primi sviluppi: The Talkbox
Il talkbox in realtà non altera il suono della voce umana di per sé. Invece prende il contenuto in frequenza dei suoni vocali e lo applica a uno strumento. L'operatore radioamatore e ingegnere Gibson Alvino Rey fece i primi sviluppi con la tecnologia nel 1939 quando attaccò un microfono a carbone sviluppato dai militari alla gola di sua moglie Luise Kings (senza dubbio aveva molta pazienza).
Luise era una delle King Sisters, un gruppo swing dell'era di una big band, quindi aveva delle doti vocali dietro di sé. La coppia si esibiva insieme, con Luise in piedi dietro una tenda o un tramezzo, cantando dolcemente, mentre suo marito suonava la chitarra. Il risultato è stato un interessante suono wah-wah, in cui si potevano quasi distinguere alcuni testi attraverso i lick di chitarra. Ma per quanto curiosa fosse, la tecnica svanì, cancellata come una novità.
Gilbert Wright ha inventato un prodotto simile per Sonovox, sempre alla fine degli anni '30. L'idea lo colpì improvvisamente una mattina mentre usava il suo rasoio elettrico. La moglie di Wright lo chiamò con una domanda e mentre lui faceva scorrere il rasoio ronzante in gola, lui gli gridò di rimando: cosa hai detto, tesoro?, la sua voce ronzante e lamentosa. Era così ispirato che iniziò a inseguire un dispositivo per replicare l'effetto.
Wright ha usato minuscoli trasduttori, attaccati alla gola di un cantante per raccogliere la modulazione della bocca. Questo metodo era più pratico e ha trovato una certa popolarità nei jingle radiofonici e nei temi dei film. Gli Who usarono una tecnica simile anche nel loro album del 1967 The Who Sell Out, dove i giorni della settimana sono cantati attraverso un organo.
La leggenda della chitarra d'acciaio Peter Drake ha utilizzato un altro dei primi esempi di talkbox per molti dei suoi album negli anni '60, incluso il suo disco del 1964 Forever. Il suo dispositivo utilizzava un altoparlante a cono di carta da 8 pollici, collegato a un tubo, in cui avrebbe pronunciato le sue parole. Il dispositivo era relativamente portatile, tuttavia, il guadagno prodotto era sostanziale solo per il lavoro in studio.
Il talkbox Kustom Electronics, noto anche come The Bag, è stato il primo talkbox prodotto in serie. Utilizzava un driver da 30 watt ed era a tracolla in una borsa decorativa che assomigliava molto a una sacca d'acqua in pelle.
Affermato di essere stato inventato da Doug Forbes, The Bag utilizzava una laringe artificiale, un altoparlante attaccato a una vasca di plastica, che veniva inserita nella bocca dell'utente. L'unità è stata rilasciata nel 1969 e, nonostante il suo strano aspetto, è diventata popolare con i gruppi rock psichedelici dell'epoca, come Iron Butterfly (vedi video sotto, circa 13 minuti tra) e Steppenwolf, che incorporavano suoni di bocca trippy nei loro live e spettacoli in studio.
Il talkbox ha anche trovato un po' d'amore con i primi gruppi funk come Sly and the Family Stone e Stevie Wonder, che ha usato The Bag nel suo album del 1972 Music of My Mind
L'ingegnere del suono Bob Heil, che ha lavorato per i Grateful Dead in assenza di Stan Owsley, ha sviluppato forse la versione più utilizzabile del talkbox. Creato per il tour Barnstorm di Joe Walsh, il congegno Heils combinava un driver JBL da 250 watt con un filtro passa-alto. Inutile dire che c'era molta potenza e molto tono.
Peter Frampton è rimasto particolarmente colpito dall'attrezzatura dopo aver sentito Peter Drake usarlo durante una sessione in studio di Abbey Road. Frampton ha ricevuto una versione in fibra di vetro da 100 watt costruita a mano come generoso regalo di Natale da Heil, che era essenzialmente un effetto a pedale. Ha immediatamente iniziato a esercitarsi con esso, infatti, si dice che Frampton si sia rinchiuso per due settimane per padroneggiare il nuovo effetto. La sua performance iconica di Do You Feel Like We Do, che presenta un assolo di talkbox, lo ha visto diventare sinonimo dello strumento.
Heil ha venduto i diritti di produzione del suo talkbox nel 1988 a Dunlop Manufacturing Inc, che continua a produrlo con le stesse specifiche fino ad oggi.
Spingendo in avanti: il Vocoder
Il vocoder non ha avuto un'educazione così romantica. L'unità è stata originariamente creata per scopi di telecomunicazione come Voice-coder, da cui è stato derivato il nome Vo-coder (intelligente vero?).
L'ingegnere dei Bell Labs, Homer Dudley, originariamente intendeva che il vocoder fosse utilizzato per trasmettere messaggi su lunghe distanze come il cavo telefonico transatlantico. L'idea era di decodificare e comprimere il linguaggio umano, in modo che il messaggio occupasse meno larghezza di banda lungo i primitivi fili di rame. Il segnale doveva essere ridotto ai suoni essenziali e riconoscibili per ridurre il tempo di trasmissione.
Il vocoder transatlantico non vide mai la luce prima che Dudley depositasse un brevetto nel 1939, giusto in tempo per la seconda guerra mondiale. I militari hanno sfruttato la tecnologia molto rapidamente, trovandola un modo efficace per nascondere i messaggi dei nemici. Belle Labs lo chiamava Project X, e gli Stati Uniti, il leggermente meno sinistro, SigSally.
Durante la guerra furono creati 12 enormi terminal, che attraversavano l'Europa e il Pacifico, ciascuna stazione occupando circa 200 metri quadrati di superficie richiedendo numerosi operatori. Gli operatori militari hanno preso i messaggi classificati e li hanno codificati, aggiungendo rumore dai dischi dei giradischi. All'altra estremità, i ricevitori dedurrebbero il rumore, decodificherebbero e quindi ricostruirebbero il messaggio. L'innocente vocoder, originariamente progettato per migliorare la comunicazione, divenne una parte vitale della comunicazione in tempo di guerra e fu utilizzato per pianificare il devastante bombardamento nucleare di Hiroshima.
La guerra del Vietnam ha visto miglioramenti nella tecnologia, che includevano algoritmi che avrebbero previsto cosa avrebbe fatto il discorso, consentendo di ricevere e replicare il messaggio in modo più accurato. Questa tecnologia continuerà ad essere sviluppata, alla fine, troverà la sua strada nei telefoni cellulari. Quell'iPhone in tasca? Tecnicamente un vocoder.
Dopo la seconda guerra mondiale, ci furono vari tentativi di riproporre il vocoder per la musica. Uno dei primi fu il sintetizzatore Siemens, creato da Siemens alla fine degli anni '50. Nel 1968 Robert Moog sviluppò uno dei primi vocoder al mondo dedicati alla musica, un'unità a stato solido che sarebbe poi apparsa nella colonna sonora di Arancia meccanica degli anni '71.
Gli anni '70 hanno visto il vocoder più ampiamente adottato nelle arti, ha continuato a essere una scelta popolare nei film di fantascienza, specialmente quando un robot aveva bisogno di parlare. Con il passare del decennio, la musica popolare iniziò ad adottare nuovi tipi di sintetizzatori e si rivolse alla tecnologia per creare suoni futuristici. I Kraftwerk sono stati uno dei primi artisti di successo commerciale a utilizzare un vocoder. La band ha implementato un Sennheiser VSM 201 in molte delle loro canzoni e ha introdotto lo strano strumento a molti giovani artisti.
Anche gli artisti del rock progressivo hanno ripreso lo strumento, tra cui l'Alan Parsons Project, che lo ha usato in Tales of History and Imagination, e i Pink Floyds, che lo hanno impiegato nel loro album seminale del 1977, Animals (puoi ascoltarlo in Dogs and Sheep ).
Gli anni '80 hanno visto il vocoder continuare a guadagnare slancio quando è stato adottato da artisti new wave come New Order e primi gruppi hip-hop come Nucleus e Afrika Bambaataa, Planet Rock degli anni '82 ne è un ottimo esempio. Questi artisti stavano già sperimentando con drum machine e sintetizzatori bassi per creare suoni completamente nuovi su strumenti per lo più elettronici, e il vocoder era una gradita aggiunta al loro pallet musicale.
Nei tempi moderni, i Daft Punk sono stati probabilmente gli utenti più coerenti del vocoder, da Around the World del 1997 a Get Lucky del 2013. Il duo considera lo strumento vitale nella loro identità sonora e nelle loro tematiche uomo contro macchina .
Auto-tune e l'età moderna
La sintonizzazione automatica ha portato l'alterazione della voce nel 21° secolo. Un prodotto dell'era dei computer e del passaggio alle DAW, l'autotuning è stato sviluppato da Antares Audio Technologies. Il software è stato inizialmente creato per assistere gli artisti nell'intonazione, correggendo automaticamente piccoli errori e spingendoli al semitono più vicino, quindi il cantante sembrava perfettamente in sintonia. I produttori che registravano le voci scoprirono presto che lo strumento poteva essere utilizzato anche per manipolare le voci con drammatici effetti di pitch shifting del gorgheggio.
Auto-tune è stato sviluppato per la prima volta nel 1997 e il suo primo utilizzo commerciale, Chers 1998 Believe, è un perfetto esempio di alcune delle sue tipiche modulazioni meccaniche. L'effetto è stato creato utilizzando un'impostazione particolarmente aggressiva in modo che l'intonazione fosse corretta nel momento stesso in cui il segnale veniva ricevuto. Dopo il successo del singolo, è diventato noto come l'effetto Cher ei suoi produttori erano molto riservati su come ottenerlo, sostenendo di aver usato un talk box o un vocoder nel tentativo di preservare quello che sentivano fosse un segreto commerciale.
Alcuni produttori hanno visto la nuova tecnologia come un sospiro di sollievo in quanto ha permesso loro di realizzare riprese vocali perfette, risparmiando tempo in studio e durante la post produzione. La tecnica è stata adattata per spettacoli dal vivo con l'uso di unità rack e, con il passare del millennio, si è diffusa in tutte le sfaccettature della musica popolare.
Non sorprende che l'effetto si sia guadagnato la giusta quota di opposizione da parte di coloro che sottolineano che consente a chiunque di suonare in chiave. Al 51esimo Grammy Awards, la band rock alternativa Death Cab for Cutie ha lanciato una campagna di protesta contro l'auto-tune, indossando nastri blu mentre si esibivano.
Anche Ellie Golding e Ed Sheeran hanno recentemente avviato Live Means Live, una campagna che esamina l'uso del montaggio vocale nelle esibizioni dal vivo. Anche i canali dei media hanno subito una reazione contro la tecnologia. Uno scandalo nel 2010 ha visto American Idol colto in fallo per aver utilizzato la sintonizzazione automatica sulle voci dei loro concorrenti, arrivando al giudice Simon Cowell che ha ordinato il divieto per tutti gli episodi futuri.
Nonostante le controversie che circondano la tecnologia, ha trovato usi unici che sono diventati un suono caratteristico per molti artisti della registrazione, come il cantante R&B T-Pain. Uno dei primi ad abbracciare la tecnologia nel suo genere, T-pain ha dichiarato di essere stato ispirato dalla musica soul degli anni '60 affermando in un'intervista con Mashable, ho pensato che avrei potuto anche trasformare la mia voce in un sassofono. T-Pain ha lanciato un'app per la tecnologia, che è stata scaricata milioni di volte da allora: ho detto, beh, immagino di essere così famoso per la messa a punto automatica, immagino che dovrei creare un'app.
Anche i veterani del cambio di voce Daft Punk non sono stati immuni, ricevendo qualche sopracciglio alzato per l'uso dell'auto-tune nel loro singolo One More Time . Tuttavia in un'intervista con Remixmag, Thomas Bangalter ha sventato le critiche, affermando che con tutte le nuove tecnologie ci sono persone scettiche e che l'importante è continuare a trovare applicazioni nuove e creative.
Molte persone si lamentano dei musicisti che usano Auto-Tune. Mi ricorda la fine degli anni '70 quando i musicisti in Francia cercarono di vietare il sintetizzatore Quello che non vedevano era che potevi usare quegli strumenti in un modo nuovo invece di sostituire solo gli strumenti precedenti.