Gli anni '70 sono stati un decennio straordinariamente importante che ha portato al mondo che abbiamo oggi dalle prime console per videogiochi e computer da tavolo, alle crisi di carburante che ci hanno dato il panorama automobilistico moderno.
Gli anni '70 furono anche un periodo fondamentale per la musica, dal lancio della Technics SL 1200 nel 1972, alla Fairlight CMI entro la fine di quel decennio e allo scioglimento sia dei Beatles che dei leader, ponendo fine alla psichedelia flower power che era il segno distintivo del decennio precedente.
Una moltitudine di band e artisti influenti, così come le tecniche di registrazione e produzione che oggi sono familiari a molti nel settore, sono state realizzate per la prima volta nel decennio che ci ha regalato abiti da safari, conto alla rovescia e feste di fonduta.
Alcune delle band che sono state le più grandi in questa era critica hanno le loro radici negli anni '60 Dark Side Of The Moon dei Pink Floyd e The Rolling Stones Exile On Main St potrebbero essere i loro album più amati (dalla critica e dai fan allo stesso modo), e hanno erano prodotti degli anni '70.
Eppure questa storia non riguarda una band, un artista o una tendenza in particolare, questa è una storia sui paradigmi ricercati da quelle band già menzionate e altre come loro, per esplorare ciò che è possibile nella musica.
Dall'abbattimento delle tendenze musicali ai salti quantici nella tecnologia, gli anni '70 avevano tutto. Guardiamo a un'epoca che ha posto le basi per la produzione musicale moderna.
Lo studio come strumento
Mentre gli antenati dei moderni sintetizzatori come il Mellotron sono stati sviluppati negli anni '60, la tecnologia transistorizzata stava appena decollando, con i modelli Moog più riconoscibili che sono entrati sul mercato a partire dal 1972 circa. Alcuni dei primi utilizzatori di sintetizzatori erano band come Pink Floyd, dove il battito ultraterreno che senti in On The Run from Dark Side of the Moon piega la tua mente grazie al Moog.
Per concentrarci su quanto siano stati significativi gli anni '70 per la musica che abbiamo oggi, viene in mente una singola canzone: 10cc s Im Not in Love dal loro album The Original Soundtrack (Mercury Records, 1975). Questa canzone si è distinta per il suo uso innovativo non solo di sintetizzatori e tastiere, ma anche dal punto di vista della produzione. Questo perché il coro slanciato che si sente in sottofondo è stato assemblato in modo molto intelligente, utilizzando l'intera scala cromatica e un mixer a 16 tracce.
Questo meticoloso processo è stato soddisfatto da ogni membro del quartetto cantando una nota sulla scala cromatica più volte, e alla fine arrivando al lussureggiante muro del suono con ben 256 voci!
Sebbene la canzone contenga strumenti convenzionali, come basso, chitarra e batteria, è l'uso intelligente di registratori multitraccia e produzioni non convenzionali come il suono di un carillon, che fornisce una cadenza, eterea vicino alla traccia di sei minuti, o il sussurro di Stai zitto, i ragazzi grandi non piangono dalla segretaria degli studi, mentre la batteria all'inizio del brano svolge il ruolo del battito cardiaco delle canzoni.
Tutti questi motivi hanno cementato Im Not in Love come un titolo significativo quando si tratta di innovazione in studio, con il mixer utilizzato come strumento, anni prima del campionatore per creare l'abbondanza di strati che si sente sul disco. Questa lussureggiante epopea ha mantenuto abbastanza freschezza da essere stata inclusa in Guardians of the Galaxy del 2014, riaccendendo l'interesse per la traccia.
La rivoluzione digitale
Un'altra importante innovazione negli anni '70 è stata lo sviluppo e l'utilizzo della tecnologia digitale. Una volta che tale band ha abbracciato questo modo innovativo di produrre il suono sono stati i Joy Division, nella registrazione del loro album seminale Unknown Pleasures (Factory Records, 1979). Durante la registrazione dell'album, la band ha utilizzato il pionieristico AMS Stereo Digital Delay, pubblicato nel 1978.
L'AMS 15-80S, per dargli il nome ufficiale, è un'unità di effetti montata su rack che viene utilizzata per aggiungere ritardo a qualsiasi segnale che lo attraversa, consentendo all'utente di determinare quanti millisecondi di ritardo desideravano ed era di conseguenza regolabile. È stato ampiamente utilizzato al debutto di Joy Divisions, prodotto da Martin Hannett.
La macchina produce un suono spettrale e il suo contributo all'atmosfera tonale di Unknown Pleasures non può essere sottovalutato. Insieme ad altri effetti che Hannett usava sui dischi della band, l'AMS Delay era senza dubbio essenziale per l'identità sonora fredda e lontana dei Joy Division.
In effetti, alla fine del decennio, la tecnologia digitale era riuscita a infiltrarsi nel processo di creazione musicale dall'inizio alla fine o dalla creazione al consumo. La manipolazione dei toni attraverso la sintesi era finora una ricerca analogica. Nel 1975 però, il primo sintetizzatore digitale, il Synclavier, fu costruito da Sydney Alonso e Cameron Jones. Comandante da cartellini dei prezzi a nord di $ 75.000, questo non era uno strumento da camera da letto. Eppure, ha trovato casa con artisti del calibro di Stevie Wonder, Frank Zappa e Sting, tra gli altri.
Ancor più dei suoni che producevano, invenzioni come il Synclavier e il Fairlight CMI erano precursori di un flusso di lavoro in studio contemporaneo. In termini digitali, gli odierni sistemi basati su DAW sono diverse generazioni rimosse dal regno prevalentemente analogico dello studio degli anni '70. I componenti essenziali di ciò che diamo per scontato nelle nostre moderne configurazioni di campionamento digitale, registrazione su disco rigido, editing del suono senza interruzioni sono stati tutti sperimentati nei giorni inebrianti di questa cospicua epoca.
Mentre scendiamo dalla linea di produzione dalla performance musicale, iniziamo a incontrare sistemi di registrazione digitale. Il 3M Digital Audio Mastering System ha iniziato a tracciare alla fine degli anni '70, ma con un costo di oltre $ 100.000, era ancora uno strumento completamente professionale. Il PCM-1 di Sony ha ulteriormente democratizzato la registrazione digitale ed è stato il primo convertitore analogico-digitale e digitale-analogico disponibile in commercio, un pezzo di tecnologia inerente a ogni interfaccia audio odierna.
Il PCM-1 era originariamente un sistema a 14 bit, ma alla fine sarebbe diventato un record con una risoluzione di 16 bit. Come mai? Dovrebbe adeguarsi alla prossima rivoluzione nel consumo di musica: il compact disc il formato che dominerà l'industria per i prossimi due decenni o più. Quindi il ciclo di vita della produzione, della registrazione e del prodotto è stato circondato dall'innovazione digitale. Sebbene i metodi digitali di produzione musicale non fossero ancora completamente dominanti all'alba degli anni '80, i progressi tecnologici degli anni '70 avrebbero gettato le basi per la pratica in studio come la conosciamo attualmente.
Come la discoteca ha cambiato la scena musicale
Quando le persone pensano agli anni '70, una delle cose che tendono a immaginarsi nella testa è John Travolta in un abito di poliestere, che si pavoneggia su una pista da ballo illuminata sui toni dei Bee Gees in Saturday Night Fever. Sebbene questo sia visto come un fattore nella divulgazione della discoteca stessa, questo film del 1977 è stato anche un catalizzatore nella caduta del genere entro la fine del decennio, culminata nella Disco Demolition Night al Comiskey Park di Chicago il 12 luglio 1979. Quindi dove è iniziato tutto questo, e in che modo è significativo dal punto di vista sonoro?
La discoteca può far risalire le sue origini stilistiche all'R&B, al soul e al funk della fine degli anni '60. Famose etichette che avevano abiti da discoteca avevano sede principalmente a New York City e includevano quelle come Salsoul Records, Atlantic e Prelude Records per citarne alcune.
La discoteca (e la sua incarnazione post-demolizione, post-disco) era innovativa nella misura in cui l'uso di strumenti musicali classici e la produzione ornata, come Bebu Silvettis Spring Rain (Salsoul, 1975) o MSFBs Love is the Message (Philadelphia International Records, 1973 ). Non solo, ma l'arrangiamento multistrato di entrambi includeva anche l'uso di strumenti come il pianoforte Fender Rhodes, aggiungendo profondità e densità al mix.
A parte le opulente produzioni in studio di questi successi, la discoteca ha anche rivoluzionato il modo in cui le persone sperimentavano la musica nei contesti sociali. Nel 2016 è scomparsa una figura consequenziale nello sviluppo della disco music (e successivamente della house music). David Mancuso ha contribuito a rendere popolari i grandi groove da pista da ballo per cui la discoteca è famosa con le sue feste in un loft di New York nei primi anni '70.
Secondo Tim Lawrences Love Saves the Day (Duke Uni Press, 2003), Mancusos allestito per il loft ha propagato il suono della musica da discoteca stessa grazie ai grandi altoparlanti Klipsch che voleva per la sua post-controcultura, feste gratuite nelle sue a pieno titolo, uno sviluppo importante che ha contribuito al suono della discoteca: è la sua capacità di riempire di suono una stanza. Mancuso ha continuato a sperimentare, utilizzando due giradischi Philips senza mixer (cosa inconcepibile oggi!) e tweeter JBL per aumentare l'esperienza di ascolto.
Più avanti nel decennio, dopo gli eventi di Disco Demolition Night, il genere conobbe un declino mainstream e venne riportato sottoterra, grazie alle gesta di Larry Levan, Frankie Knuckles e molti altri nella scena disco di New York alla fine degli anni '70. .
Nato da un'idea di Levans, il Paradise Garage, è stato ricavato da un garage convertito, inaugurato nel 1978. Uno dei maggiori contributi sonori è stata l'aggiunta di due altoparlanti giganti da 500 W con custodie a forma di W, soprannominati Levan Horns, costruiti da Jensen-derivato altoparlanti e i suddetti tweeter JBL.
Il tipo di tracce che venivano suonate al Garage sfidava le convenzioni su cosa fosse la musica da discoteca nel senso popolare. Oltre a suonare i brani di cui sopra, il Garage era il tipo di posto in cui si ascoltava musica elettronica all'avanguardia, soprattutto quando gli anni '80 sono nati da artisti come Thelma Houston, Chic e innumerevoli altri con un suono lucido, sintetizzato e allo stesso tempo pesante suono.
Gli anni '70, mentre un decennio segnato da discutibili scelte di moda e dalla guerra in Vietnam, è stato un decennio rivoluzionario per la musica che continua a risuonare. Coprire tutte le innovazioni musicali degli anni '70 è un compito arduo, ma solo uno sguardo ristretto rivela una ricchezza di diversità nella produzione e progressi nella tecnica audio.
Dai vecchi rocker che abbandonano la loro psichedelia hippie a favore di un suono più grintoso e blues, fino al futurismo elettronico di artisti come Gary Numan e la sperimentazione sfocata di band come Pink Floyd, il decennio ha caratterizzato diversi balzi evolutivi nella produzione musicale. Questo è stato grazie al lavoro che non solo ci ha fornito strumenti elettronici più piccoli e potenti, ma anche i suoni e l'estetica a cui musicisti, ingegneri e produttori hanno tratto ispirazione da allora.
Come si suonava la musica negli anni '70
A parte la discoteca, il funk, lo smooth jazz, il jazz fusion e la musica soul sono rimasti popolari per tutto il decennio. La musica rock ha svolto un ruolo importante nella scena musicale occidentale, con il punk rock che ha prosperato per tutta la metà degli anni '70.
Perché la musica negli anni '70 era così bella
La cosa migliore degli anni Settanta era il volume e la varietà di musica che veniva registrata ed eseguita. Ispirati dall'ondata di cambiamento negli anni '60, i musicisti degli anni '70 hanno portato diversi generi musicali consolidati in posti nuovi e sorprendenti. Altri hanno introdotto nuove tradizioni musicali nel mondo.
Come si ascoltava la musica negli anni '60
Il Walkman, originariamente pubblicato come Sound-About negli Stati Uniti, Stowaway nel Regno Unito e Freestyle in Svezia, ha cambiato radicalmente il modo in cui le persone ascoltavano la musica; non più legati ai grandi giradischi domestici o ai grandi e scomodi registratori a nastro portatili, gli ascoltatori potrebbero facilmente portare con sé la propria musica ovunque si trovino
In che modo la musica negli anni '70 ha influenzato la società
Sebbene la musica fosse stata politica negli anni '60, gli anni '70 hanno portato una nuova folla di musicisti che si sono battuti per i diritti umani fondamentali oltre a quelli espliciti conservatori. La musica rock è diventata più popolare tra i giovani e i musicisti rock con un messaggio hanno avuto un pubblico molto più ampio.